Sortie le 13 mai 2008

Alerte ! Les espèces endémiques et les extraordinaires richesses de la France d’outre-mer sont en péril.
En dressant un constat alarmant de la situation actuelle de nos îles et de la Guyane, Biotiful planête vous invite à découvrir les écosystèmes de six destinations d’exception.

Il y aurait énormément de choses à retenir du visionnage de ces six documentaires signés Philippe Tourancheau et François Cardon.
En premier lieu, vous redécouvrirez à quel point la présence de l’homme a longtemps été néfaste dans les DOM-TOM. En entraînant une profonde modification des milieux, l’homme a démontré par ses erreurs et sa cupidité qu’il n’a jamais été à la hauteur des richesses naturelles dont il s’est emparé.
Sachez par exemple que l’introduction du chat, du rat et même du cerf, entraîne depuis longtemps une raréfaction progressive des espèces endémiques dans nos territoires d’outre-mer.
Autre problème, l’introduction de plantes étrangères dans ces milieux, transformant celles-ci en pestes végétales étouffantes pour l’écosystème local. Le problème se pose ainsi sur l’Île de la Réunion et apparait même insurmontable à l’heure actuelle en Polynésie.
Il est révoltant enfin d’apprendre que la terre et la population antillaise sont empoisonnées pour des décennies à cause d’un usage massif et irresponsable d’engrais, ou que les rivières guyanaises et les habitants limitrophes sont lentement intoxiqués par le mercure déversé par les orpailleurs locaux.
Malheureusement, ce ne sont que quelques exemples parmi les autres aberrations commises par l’homme sur une surface, rappelons-le, dix fois plus petite que notre métropole.

Chez Culturofil, nous ne cachons pas notre amour de la nature et nous n’avons pu qu’être réceptifs aux messages et à l’objectif global du pôle outre-mer du WWF - France défendus dans Biotiful planête.
Les six DVD ne s’arrêtent donc pas à un alarmant constat puisque chaque documentaire met en avant les solutions possibles aux nombreux problèmes soulevés.
Des réserves de biosphère (un programme créé par l’UNESCO), aux plans de gestion de l’espace maritime, en passant par la création de sentiers sous-marins pour protéger les coraux, le souci de sensibilisation met surtout en avant la nécessité de placer l’homme au centre de la conservation des espaces fragiles.
Le constat sera donc le même pour les nombreux intervenants de Biotiful planête. Scientifiques, biologistes, naturalistes, botanistes, etc. Tous s’accordent à dire que la conservation de la biodiversité est tributaire de l’homme et qu’elle ne se fera pas sans une concertation et une médiatisation efficace.

Nous avons donc beaucoup apprécié la qualité et l’honnêteté du message contenu dans chacun de ces documentaires. Nous avons aussi été plus receptifs aux interventions de la pétillante Jéromine Pasteur qu’à celles de la candide Séverine Ferrer, dont les répliques (” C’est top ! “) prêtent souvent à sourire.
Petit plus non négligeable : chaque DVD est proposé avec un livret de huit pages instructives sur les actions du WWF - France ainsi que sur les écorégions explorées.
Nous avons par contre été déçus par la qualité de l’image, assez pixellisée (tout a été filmé en numérique et cela s’en ressent), qui ne rend pas tout à fait hommage à la beauté exceptionnelle des sites visités.
Pour conclure, si vous êtes préoccupés par l’environnement, nous ne pouvons que vous conseiller cette collection de documentaires encadrée par la WWF et présentée par Jéromine Pasteur et Séverine Ferrer.

Biotiful planête : Guyane Française - Océan Indien - Nouvelle-Calédonie - Polynésie - Antilles - Saint-Pierre et Miquelon, un collectif de Philippe Tourancheau et François Cardon, avec Jéromine Pasteur et Séverine Ferrer.
DOM-TOM, 52 min, couleurs, format 1.77 - 16/9. Version française.
Éditions DVD + Livret testées sur Philips Home Cinema HTS6510 et Samsung Full HD LE40F71B.
Crédit photographique : Gedeon Programmes - Groupe Millimages.

Album paru le 2 mai 2008

En 1968, un peu avant la libération des étudiants, des mœurs, de la femme et de tout un tas de minorités eut lieu celle de Marcel Gotlib. C’est en effet à cette période que René Goscinny, auteur des Dingodossiers qui jusque-là asservissaient le malheureux dessinateur, dut s’en aller remplir les engagements qu’il avait pris sur ses quatre-vingt dix-huit mille autres séries (d’innocentes vétilles comme Iznogoud, Lucky Luke, Le Petit Nicolas ou Astérix). Notre artiste de l’encre de Chine se retrouve alors livré à lui-même face à sa planche à dessins. Le résultat paraît dans le magazine Pilote quelques semaines plus tard : une compilation d’exposés didactiques ou presque mettant en scène Isaac Newton, une pomme, un professeur et quelques autres personnages à la cocasserie pas forcément évidente a priori. Et une coccinelle.

Il serait réducteur de prétendre que Gotlib employa les règles du neuvième art pour faire rire les lecteurs de sa Rubrique-à-brac. Il les transcenda, en atomisa tout simplement les codes au seul nom de l’humour le plus brut, le plus hilarant, le plus désopilant. Ils sont peu nombreux les auteurs actuels, comiques ou non, de BD ou non, qui ne revendiquent pas une petite part de l’héritage gotlibien. Jusqu’à Laurent Baffie qui lui offrait une apparition dans son film, Les Clés de bagnole, sur le registre du running gag, un art qu’il aura porté au sommet.

Autant dire que la perspective d’un hommage à ce monstre sacré de l’humour, en ces temps de mauvaises adaptations de Goscinny (les premier et troisième films d’Astérix, certes, mais aussi le terrifiant Iznogoud), avait de quoi faire trembler les fans. La bonne idée aura été de mettre sur le coup la fine fleur de la bande dessinée française. Et quand on dit la fine fleur, pour une fois le terme n’est pas galvaudé. C’est bien simple, il ne manque que Sfar et Trondheim ! Le tout sur un pitch d’une amusante simplicité : « On dirait qu’il faudrait être Gotlib à la place de Gotlib ».

Tous ont quelque chose à dire, à faire partager sur la Rubrique. Qu’il s’agisse d’hommages pertinents à travers leur propre univers, comme Ptiluc et le duo Christin – Mézières, qui ont du mal à ne pas caser de rats et de Valérian dans leurs cases, ou de reprises de classiques remis au goût du jour, comme Édika ou Dupuy et Berberian, chaque planche se déguste avec gourmandise. Chaque auteur a donné le meilleur de lui-même et le résultat est à la hauteur des espérances. Mentions spéciales à Blutch qui signe sans doute l’histoire la plus sublime, la plus mystique et la plus stupéfiante de l’album, et au très inattendu Enki Bilal qui recompose la photo de famille avec son style si personnel. Sans parler des bêtises de Ferri et Larcenet, des remises à jour fort à propos d’Arleston – Mourier et Antoine de Caunes – Guarnido, des hommages toujours déférents de Zep et Binet, des étrangetés de Tardi ou Mandryka…

Si l’esprit de Mai 68 plane au-dessus d’une BD actuellement, c’est bien celle-ci. Noir et blanc ou couleur, mono ou multiplanche, ultra-respectueux ou déviant, pas une des planches n’est de trop et chaque œuvre a sa place dans cette anthologie. Le seul regret se situe au niveau de la dernière page : après, il n’y en a plus.

Rubrique abracadabra, textes et dessins de Bilal, Binet, Tronchet, Édika, Benacquista et Barral, Christin et Mézières, Goossens, Margerin, Ferri et Larcenet, Arleston et Mourier, Léandri et Solé, Maëster, Jannin et Dal, Mandryka, Dupuy et Berberian, Lefred-Thouron et Chauzy, Lindingre, Julien/CDM, Ptiluc, Tardi, Zep, Boucq et Belkrouf, Blutch, Antoine de Caunes et Guarnido, éditions Dargaud.

Sorti le 2 avril 2008

Il est des films qui, avec l’aide du temps, acquièrent une aura particulière. Dark City, Jack Burton dans les griffes du mandarin, Last Action Hero, tous sont des œuvres qui, par leurs fans ou leurs détracteurs, font encore parler d’elles bien après leur sortie. Tel est aussi le cas de Ronin, sorti en France en 1998.

Avant-dernier film de cinéma du vétéran John Frankenheimer, tourné dans des villes prestigieuses (Paris, Nice), nanti d’un casting de choix international (Robert De Niro, Jean Réno, Stellan Skarsgård, Jonathan Pryce…) et de courses-poursuites effrénées dans la tradition des films de Frankenheimer, Ronin partait avec tout pour lui. Tout sauf une chose, essentielle, indispensable à tout thriller : un scénario digne de ce nom. Co-écrit sous pseudonyme par le célébrissime scénariste-réalisateur-auteur de théâtre David Mamet, le script de Ronin tente de violer une des règles élémentaires de l’écriture scénaristique, celle de l’enjeu, probablement dans une intention d’originalité et d’expérimentation, et voit des mercenaires se poursuivre à travers toute la France pour acquérir une mystérieuse valise… Dont on ne saura jamais le contenu (bien que quelques indices en fin de film laissent penser à un objet à portée politique). Mamet vise haut, très haut. Beaucoup trop haut.

Suivant ce principe d’enjeu mystère poussé à l’extrême, les quinze premières minutes du film sont totalement indigestes. En guise d’exposition, l’on a droit à une série de questions qui connaissent toutes la même réponse : comment va se dérouler l’embûche pour récupérer la valise ? On ne sait pas. Combien de personnes faudra-t-il affronter ? On ne sait pas. Quand aura lieu cette opération ? On ne sait pas. Une telle pauvreté, un tel déni d’exposition n’intrigue pas, il frustre le spectateur et lui donne la nette impression de perdre son temps. Pire, face à ce refus de nous donner des éléments d’histoire, on se dit que soit Mamet et Frankenheimer comptent aller au bout de leur idée de dépouillement et se dispenser de toute description psycho-affective des personnages, soit les compères vont compenser l’absence d’enjeu, l’impossibilité pour le spectateur de s’attacher à l’intrigue du film, par un vrai développement des personnages. Que nenni, les auteurs pondant des séquences dialoguées d’un banal, d’une inutilité et d’une maladresse effarants de la part d’un réalisateur aussi averti que Frankenheimer.

Dénué d’enjeu, de motivation et de personnages, donc de toute forme de suspense, de toute chance pour le spectateur de s’intéresser au film, Ronin se réduit très vite à une simple enfilade de scènes d’action. Qui, malheureusement, font tomber le film encore plus bas. Spectaculaires mais peu impressionnantes, elles ne se distinguent que par leur fadeur et leurs gros clichés : la fusillade en pleine rue niçoise fait peine à voir, surtout si l’on pense à celle à laquelle participait déjà Robert De Niro dans Heat, à peine trois ans plus tôt ; les poursuites en voiture donnent à voir quelques maigres dérapages, carambolages ou tonneaux, et font tristement sourire lorsqu’une voiture rentre dans le pilier d’un souterrain de quai de Seine, d’autant que le film est sorti quelques mois après le décès de Lady Di ; et l’affrontement final sur le parking et dans les coulisses du Zénith parisien témoignent d’un pétage de plombs définitif, avec une action complètement confuse, une petite fille qui pleure sa maman et un Jean Réno qui, malgré une blessure par balle, se téléporte d’un coin de parking à une hauteur de coulisses en vingt secondes chrono.

Avec une telle affiche, de telles promesses, on se prend à rêver du film qu’aurait pu être Ronin. Un Frankenheimer de la belle époque, un Train version polar, un French Connection II des années 90, où son amour pour la France ne se résume pas à quelques cascades oubliables, des séquences sur les quais ou dans les quartiers délabrés de Paris, ou un Robert De Niro peu réjoui et peu soucieux de son accent français. Une séquence laisse presque entrevoir le film qu’on aurait voulu voir : celle où Michael Lonsdale, via des petites figurines peintes de ses mains expertes, raconte à De Niro l’histoire des cinquante-sept Ronins.
Séquence néanmoins gâchée par les dialogues de De Niro, premier degré et bêtement comiques jusqu’à rendre triviales les répliques de son partenaire. Intentions confuses, affaiblissement de Frankenheimer alors âgé de soixante-huit ans et qui n’avait plus que quatre années à vivre, les raisons de l’échec de Ronin peuvent être nombreuses. Cependant, elles n’excusent pas sa nature de film d’action plus que basique, au mieux carrément anecdotique et quelconque, au pire minimaliste et nihiliste au point de se foutre de la gueule du spectateur. Où est McTiernan quand on a besoin de lui ?

L’image de ce Blu-ray se situe au-dessus de la moyenne, mais à peine. La photo terne du film et l’encodage MPEG-2, à l’heure où le VC-1 ou le MPEG-4 ont plus d’une fois montré leur supériorité, n’aident pas le piqué, les contrastes ou la compression, à atteindre les sommets auxquels le 1080p nous a habitués. Du niveau d’un très bon DVD, mais d’un Blu-ray très léger.

En revanche, le son assure le spectacle, avec de furieux vrombissements de moteur et d’excellents passages de voitures des enceintes frontales aux arrières. La VO se montre un peu plus rentre-dedans que la VF, mais toutes deux apportent un petit plus par rapport aux pistes Dolby et DTS du DVD.

Côté bonus, c’est le grand vide : les suppléments de l’édition collector DVD (commentaires audio, featurettes sur le montage, la musique, fin alternatives…) ont tous disparu, ne reste que des bandes-annonces en HD, dont celle du film. Carton rouge !

Ronin, un film de John Frankenheimer, avec Robert De Niro, Jean Reno, Stellan Skarsgård, Jonathan Pryce, Natasha McElhone et Sean Bean.
États-Unis, 1998, 121 min, couleurs, 1080p HD 2.40:1, version originale DTS HD Master Audio 5.1 - française et allemande DTS mi-débit 5.1, sous-titres français - anglais - allemand - hollandais.
Édition Blu-ray testée sur lecteur Blu-ray Sharp BD-HP20S avec vidéo-projecteur Epson EMP-TW2000 et ampli Pioneer VSX-808.
Crédit photographique : Fox Pathé Europa.

Sortie en avril 2008

Annie Dillard est aussi peintre à ses heures perdues. Comment qualifier son écriture ? Écoutons-la en parler, au début de En vivant, en écrivant (réédité ce mois-ci aux éditions Christian Bourgois) : « En écrivant, tu déploies une ligne de mots. Cette ligne de mots est un pic de mineur, un ciseau de sculpteur, une sonde de chirurgien. Tu manies ton outil et il fraie le chemin que tu suis. »

La musique de cette écriture s’éloigne beaucoup des mélodies simples aux refrains facilement anticipés. Étonnante, intelligente, c’est une musique en mouvement, qui peut désarçonner ou paraître hermétique. Elle est en déplacement, complexe, changeante, presque fuyante. Mais se laisser prendre au ressac des mots, c’est quasiment marcher dans les dunes « du cap Cod, le “cap aux morues”, cette sablonnière minérale exposée aux intempéries ».

L’histoire qu’elle nous raconte est simple : un homme, Toby Maytree, et une femme, Lou, qui s’aiment, se quittent et se retrouvent.
« Lorsque Maytree riait, il détendait ses jambes. Il avait les clavicules et les tendons d’Achille d’une grande finesse. Il sifflait, portait des pantalons amples et parlait sans arrêt. »
« Il retombait, encore et encore, amoureux de Lou. Quand ils marchaient, il lui tenait la main. Elle semblait, aujourd’hui comme hier, rouler ou flotter par-dessus le monde - agissant, donnant, prenant, sans jamais ni accélérer ni ralentir, un pan d’écharpe rouge ou bleue passé autour du cou. »

Tour à tour, les personnages de L’amour des Maytree s’approchent les uns des autres, se séparent, se trahissent, s’attendent, se font des signes, se pensent. Annie Dillard les serre au plus près, avec leurs postures, leurs mouvements, leur quotidien. Ils se mélangent au paysage. Ils sont à la fois au bout d’un monde et au centre de celui-ci : « Sur un coup de tête, Maytree quitta la ville et prit le chemin de sa cabane. La planète roulait pour rattraper son ombre. Sur la haute dune, le ciel lui descendait jusqu’aux chevilles. Rien de ce qu’il apercevait ne dépassait ses socquettes. À travers le long horizon, des dunes paraboliques, comme autant de vagues scélérates, coupaient le ciel. »

Nous les découvrons, ces héros, très différents de nous et uniques dans leurs trajectoires, lointains. Puis, car ce livre porte l’élan d’une vague montante et descendante, nous les sentons incroyablement proches. Au fond, que font-ils d’autre que s’interroger et formuler les questions essentielles : qu’est-ce que vivre, qu’est-ce que l’amour, qu’est-ce que trahir, qu’est-ce que vieillir, et que capter de l’éphémère du monde autour de nous…?

Lire L’amour des Maytree est une expérience émaillée de métaphores exemptes de clichés simplistes : « Paulo vit le sourire de son vieux père s’éclairer et trembler un peu. Tant de rides lui striaient la peau que ses yeux avaient l’air de trous dans un pare-feu », ou encore « La ville s’était recroquevillée et avait multiplié les murs, un peu comme des cristaux forment des facettes dans une fiole ».

L’auteur sait capter les éléments naturels pour les transcender. Ses descriptions se teintent d’une présence extrêmement humaine. C’est toujours l’homme au centre, traduisant le réel, toujours lui qui participe au grand ordonnancement du monde qu’il regarde.
« La première leçon que Lou et Maytree apprirent fut que, pour observer le ciel, il fallait s’allonger sur le dos. Comme la lumière de la ville blanchissait le ciel, ils allaient plutôt dans les dunes. (…) Une fois, ils s’étaient installés sur la plage au coucher du soleil, Lou resta à regarder comment les sternes coinçaient l’encoche de leur épine dorsale dans la corde tendue entre leurs ailes pareilles à une arbalète. À la toute dernière seconde, elles jetaient un regard, inclinaient une aile, et ça partait, en flèche. Le temps d’un éclair, l’eau fut noircie par un bouillonnements de bluefish. Si on regardait ailleurs, à l’oreille, on aurait dit du popcorn en train d’éclater. »

L’amour des Maytree est pareil au carnet de croquis d’un peintre, mais les formes étudiées par l’artiste ne se limitent pas aux ciels, aux horizons et aux habitants de la côte. Des sensations y sont dessinées, avec leurs degrés de conscience, leurs imaginaires et leurs demandes sans réponses.
« Lou se demandait où, quand il mourrait, irait tout ce qu’il avait emmagasiné dans sa tête. Verrait-on des filaments de son savoir dessiner des schémas à la surface de la terre ? Est-ce que son cerveau enseignerait au plancton naufragé comment trouver, sur le plancher de la mer, son chemin d’ici à Stellwagen Bank ? »

Ce simple roman d’amour n’en est pas un. Il touche à l’universel, il cherche à déployer ses sens, largement, et à s’approprier la vie, l’éphémère.
Il reste de ce livre lorsqu’on le referme, l’impression d’avoir vu des fils se dérouler, des fils de vies tressés d’une somme de détails extraordinaires et insignifiants. Nous les avons observés, comme sur une plage on suit des yeux un vol d’oiseaux maritimes. Nous savons qu’ils volent vers un point précis, ou nous croyons savoir. Eux aussi, sans doute. Leurs questions et les nôtres se fondent, comme se fondent en volutes subtiles les couleurs d’un ciel à la Turner…
Car Annie Dillard est aussi peintre, à ses heures.

L’amour des Maytree d’Annie Dillard, publié aux éditions Christian Bourgois.
Annie Dillard a obtenu le prix Pullitzer en 1975 pour Pilgrim at Tinker Creek.
Crédit photographique : Christian Bourgois 2008 et Rollie McKenna 1994.

Jusqu’au 25 juin

Il arrive parfois, lorsque l’on va au théâtre, qu’au lieu de voir le spectacle que la compagnie a voulu donner, on se retrouve à en voir une esquisse : toutes les intentions sont claires, le spectateur les décode, les comprend, mais rien ne prend corps. C’est ce qui se passe avec Alice de Sylvain Moreau. On a beau vouloir aimer le duo formé par Catherine Martin et Djahîz Gil, saisir l’univers dans lequel ils veulent nous emporter, on n’arrive pas à croire à l’histoire qu’ils nous racontent.

De quoi s’agit-il ? Alice, est une styliste trentenaire, qui profite des soirées mondaines pour boire plus que de mesure. Elle nous livre ses états d’âme, portant principalement sur l’homme qu’elle n’aime peut-être plus tant que ça après sept ans de vie presque commune (ils ont chacun gardé leur appartement), mais dont elle est jalouse - sans que les motifs de cette jalousie ne nous soient jamais clairement expliqués. Nous touchons là au premier problème : l’argument s’arrête là, ce qui est une trame très mince pour occuper une heure de spectacle. Les complaintes amoureuses d’Alice tournent vite en rond par manque de ressorts dramatiques, et les habiller de musique et chansons ne suffit pas à cacher la pauvreté du texte. Les dialogues se réduisent trop souvent à une série de clichés ; on imagine que l’auteur visait le second degré, mais malheureusement, il ne l’atteint pas.

La mise en scène de Mélanie Allart, elle, se résume à une mise en espace, certes plutôt réussie vu la petitesse du plateau du théâtre de la Providence, mais quid de la direction d’acteur ? Les comédiens semblent livrés à eux-mêmes, sans fil directeur pour guider leur interprétation et arriver à faire exister leur personnage. Les quelques scènes où ils osent se lâcher – un orgasme hilarant, une formidable caricature animalière d’une femme de la jet-set –, nous font toucher du doigt le spectacle à côté duquel nous sommes en train de passer. Le reste manque d’exubérance et de conviction, qualités qui rendraient Alice et son pianiste plus vulnérables, attachants et donc plus drôles.

Alice se veut décalée, jouant sur différents registres : le théâtre et la comédie musicale, le réalisme et la fantaisie. On ne peut que louer une telle bonne volonté, mais pour que ce cocktail soit savoureux, cela demande d’avoir quelque chose à raconter et de jouer chaque note à fond pour en accentuer les contrastes. Il faut ne pas avoir peur du ridicule, que les comédiens croient en leur personnage et leurs émotions pour convaincre le spectateur. En plus des faiblesses du texte, la retenue dont souffre l’ensemble lui donne un goût d’amateurisme décevant.

Alice de Sylvain Moreau, mise en scène de Mélanie Allart, théâtre de la Providence
Avec Cathy Martin (Alice), Djahîz Gil (pianiste)

Sortie prévue le 12 mai 2008

Empyr est un nouveau groupe de rock français. Enfin pas vraiment nouveau et pas vraiment de rock français. Car le « rock français » aujourd’hui est fragile, c’est un genre mal accepté et dont seulement quelques groupes arrivent à percer avec talent. Chez Empyr nous sommes dans la langue de Shakespeare, ce qui ajoute une crédibilité à vouloir faire du bon rock, ou au moins du meilleur (d’où le « pas vraiment français »). Et si Empyr n’est pas totalement un « nouveau » groupe c’est parce qu’il est composé du chanteur de Kyo, Benoît Poher, de l’ex batteur de Vegastar, Jocelyn Moze, de l’ex bassiste de Pleymo, Benoît Julliard, du guitariste de Kyo (encore), Florian Dubos, et d’un guitariste de Watcha, Frédéric Duquesnes. Bref un beau fourre tout où l’on pouvait attendre le meilleur et le pire. Mais tout de même il y a un hic. Ce hic s’appelle Benoît Poher. Si, si, vous savez, le chanteur de Kyo. Kyo ? Mais oui, bon Dieu, Kyo, le petit groupe pop rock frenchy qui avait tout raflé il y a quelques années. Ce n’est pas Benoît en lui même, ni sa voix lorsqu’il chante en français avec Kyo qui est « le hic », mais lorsqu’il chante en anglais, comme c’est le cas ici pour la totalité de ce premier CD : The Peaceful Riot.

Cet album, attendu par beaucoup, risque fort bien de trouver un bon accueil. Toutefois ce sont les non-fans des groupes cités plus haut qui risquent d’accrocher. Car l’ensemble du disque est assez inégal et l’on reconnaît aisément le style emprunté à chaque horizon des membres. Le mélange ne sonne pas forcément bien, et les adeptes d’un seul de ces groupes risquent d’être perdus (notamment les fans de Kyo).

Sur les douze chansons, la plus mélodieuse, Water Lily, est sans doute l’une des plus réussies, grâce à sa mélodie et sa presque douceur. Mais sur Peaceful Riot, les lignes de basse, nettement présentes, la batterie surexcitée et les riffs de guitare agressifs permettent de fournir à Empyr un côté adulte et travaillé, dur et brut. Musicalement les compositions sont plutôt bien mênées, à tendance pop/rock (Water Lily, Birth, Tonight, Forbidden Song) ou véritable rock « hûrlant » (My Empress, God is my lover, New Day). Finalement seule la voix de Poher est le gros bémol de cet album, surtout quand il crie des sons inaudibles, s’énervant pour rien.

Alors oui nous sommes partagés, l’album est tantôt bien, tantôt beaucoup moins. Et il n’y a rien de très novateur non plus dans ce premier opus. Certains l’auraient préféré plus violent, d’autres plus doux. Le leader Poeher a insisté pour dire que « ce n’est pas destiné au même public que Kyo ». Alors peut-être que le second album risque d’être plus poussé vers ce côté brutal qui permettrait à Empyr de se donner une vraie identité musicale. La « patte Kyo » est bel et bien rompue, un autre public va se tourner vers Empyr, au risque pour le groupe de perdre les fans de Dernière Danse et Je cours, ce qui après tout leur sera peut-être bénéfique.

Enfin, faisons un détour sur la pochette de l’album, très réussie, énigmatique et originale : un bon point pour Empyr qui espère « ne pas se casser la gueule avec un nom comme ça ». On l’espère pour eux aussi et on patientera tranquillement l’arrivée du second album. En attendant le groupe saura sans doute se démarquer sur scène, où il se lâchera enfin totalement et où le public pourra se déchaîner. L’occasion aussi de voir si les capacités vocales de l’ami Poher sont à la hauteur ! De la à dire qu’Empyr est pire que Kyo, non. De là à dire qu’Empyr dresse un nouvel empire dans l’hexagone musical rock, non plus. Par contre à l’étranger, ça pourrait plutôt bien s’exporter.

The Peaceful Riot, d’Empyr, édité chez Sony/BMG.
Crédit Photographique : Berzerker.

Album publié en avril 2008

Que peut donc bien valoir Tindersticks en 2008 – et qui cela peut-il bien intéresser ?

Telles sont les questions qu’on se pose inévitablement au moment de glisser The Hungry Saw sur la platine, tant ce disque semble évadé d’une quelconque faille spatio-temporelle. Déjà à ses débuts Tindersticks donnait l’impression de débarquer d’un monde parallèle, hors du temps de l’espace ou des modes, hors de tout – en fait. À l’heure où l’Angleterre se libérait enfin du thatcherisme et célébrait ce tout nouveau vent de liberté au son de la britpop la plus festive (ces Parklife, ces Some might say, ces Common People si intimement liés à l’époque)… Tindersticks débarquait alors avec trois albums aussi incontournables que lents, tourmentés, austères et résolument plus américains qu’anglais. Leur chanteur sonnait comme un compromis parfait entre un Nick Cave sous Prozac et un Leonard Cohen énervé ; leur musique réussissait la prouesse d’être tout à la fois ascétique et luxuriante, épurée tout en lorgnant régulièrement vers le symphonique. Certains parlèrent alors de pop de chambre, on n’a jamais su si c’était un jeu de mots nul où une formule alambiquée – peu importe : les Tindersticks ne riaient que quand il se brûlaient. Il sembla donc évident pour tout le monde qu’il s’agissait d’un grand groupe. Qui, en effet, publia l’un des plus beaux albums de l’époque : Curtains, en 1997. Curtains et sa tristesse déchirante mais digne, Curtains et ses mélodies majestueuses, ses Don’t look down et ses Let’s pretend. Curtains et son romantisme keatsien qui soudain sortait la chanson d’amour de l’ornière post-ado dans laquelle une décennie de rock dur l’avait enfermée. Qui n’a pas aimé Curtains, sincèrement ?

Que pouvait faire le groupe après Curtains sinon s’enliser et essayer du mieux possible de survivre à ce succès ? Signé aussi sec par une major le temps d’un album (Simple pleasures) pas si raté qu’on a bien voulu le dire, Tindersticks a suivi une trajectoire étrange, comme si chaque disque le voyait un peu plus s’éloigner des feux de la rampe. Sur l’attachant Can our love… (2001), la magie n’opérait plus que par intermittence, les titres traînaient en longueur (six minutes ici, huit par-là). D’austère, la voix était devenue affectée. Et la B.O. de Trouble Every Day, sortie au même moment, s’avérait infiniment meilleure que l’album officiel. Même punition deux ans plus tard avec Waiting for the Moon, album plus lumineux, plus concis, mais par trop inabouti pour convaincre totalement. Après ? Cinq années de silence, durant lesquelles Stuart Staples s’offrit deux saillies folk rugueuses tellement convaincantes que certains se mirent à craindre la fin du groupe.

En 2008 et alors que le revival rock’n roll déferle sur le monde, que quatre-vint dix pourcent des groupes sonnent garage et débraillés et qu’on les fait désormais signer au sortir du bac à sable, les quadra languides de Tindersticks sonnent plus décalés que jamais. Est-ce une des raisons pour lesquelles le charme de The Hungry Saw opère presque instantanément ? En creux, par rapport aux modes de l’époque – exactement comme Curtains il y a dix ans ? Il y a sans aucun doute de cela ; mais il y a aussi quelque chose au-delà de la séduction inhérente à tout projet nageant à contre-courant.

Car The Hungry Saw est un disque paradoxal, en cela qu’il est à la fois en tout point identique et radicalement différent de ses précésseurs. La première écoute ne prête guère à l’erreur d’interprétation : « Ouais, bon, c’est du Tindersticks ». Difficile de vendre la révolution chez un groupe dont on savait déjà au bout de deux singles qu’il n’allait pas beaucoup se renouveler au cours de sa carrière. The Other Side Of The World aurait sans problème pu figurer sur le premier album éponyme, que ce soit son petit gimmick de piano ou sa mélodie à la Lee Hazzlewood… Seulement il y a bel et bien quelque chose de différent, sur cet album. Quelque chose qui a changé, en profondeur. Il n’est jamais déprimant. Il n’est même jamais vraiment noir. À l’image d’une intro instrumentale tout à la fois mélancolique et légère, The Hungry Saw cultive les demi-teintes, les faux-semblants. Soit : on ne s’y roule pas par terre de rire. De là à qualifier cette musique de joviale il y a une marge que l’on ne franchira pas (en tout cas : pas avec cet album). Néanmoins l’état d’esprit a changé, ce n’est pas obligatoirement perceptible d’entrée de jeu mais Tindersticks retrouve ici une chaleur, une humanité qui avaient fini par disparaître à force d’être noyée sous des arrangements ronflants et une fuite en avant dans la noirceur. Par bien des aspects The Hungry Saw est moins ambiteux qu’un Can our love… mais il dégage une sensualité puissante, une énergie retrouvée. Qui n’aboutit certes pas à un disque énergique mais se fait clairement sentir sur Yesterdays Tomorrows, titre groovy et vénéneux que viennent illuminer des cuivres évadés de chez Calexico. La voix toujours aussi habitée de Stuart Staples en sort grandie, qui n’avait plus sonné aussi sexy depuis des lustres.

Bien sûr le groupe n’a pas renoncé à la torpeur, et Mother Dear (au hasard) n’est rien d’autre qu’un de ces morceaux traînant, cohenissimes, dont seul Tindersticks a le secret. Mais l’album est si aéré qu’au lieu de l’alourdir ces passages crépusculaires le mettent systématiquement en perspective. Les demi-teintes, encore et toujours : oublié le rock-lounge frigide qui plombait trop souvent les deux disques précédents. À défaut d’avoir repris des couleurs la musique de Tindersticks est bien plus charnelle (The Hungry Saw), apaisée (The Flicker Of A Little Girl) que par le passé. Sans rien perdre ni de ses vertus hypnotiques (All the love), ni de son romantisme (The turns we took), ni de sa luxuriance (E-Type). L’album n’est pas exempt d’une petite faute de goût (le break The Organist Entertains sonne comme du mauvais Yann Tiersen – non : ceci n’est pas un pléonasme), mais l’ensemble est de si haute tenue qu’à la question inaugurale, « Que vaut Tindersticks en 2008 ? », on sera tenté répondre : beaucoup plus qu’en 2000, si ce n’est presqu’autant qu’en 1997. Un grand disque, The Hungry Saw ? Le temps dira si ses chansons parviennent à s’installer sur la durée.

Mais un des meilleurs du moment, ça, aucun doute là-dessus.

The Hungry Saw de Tindersticks, publié chez Beggars Banquet.
Crédit photographique : Tindersticks.

Publié le 28 avril 2008

Difficile de ne pas aborder le cas We are scientists sans mentionner le sens extrêmement développé de l’auto-dérision des deux gaillards qui composent le groupe. Rigueur scientifique oblige, il est même ardu de savoir combien de membres composent leur effectif. Autant être précis tout de suite : au départ et sur leur précédent album¹, With love & squalor, le groupe est un trio. Pour ce nouvel opus, Brain Thrust Mastery, aveMichael Tapper, le batteur hirsute, a pris la tangente et se voit remplacé par Adam Aaronson. Un certain Max Hart, aussi doué à la guitare qu’aux claviers, a même complété l’ensemble pour former un quatuor. Mais, malgré toutes ces pérégrinations, We are scientists sont deux, puisque seuls Keith Murray et Chris Cain affichent leurs visages assoupis en couverture de la nouvelle livraison du groupe.

Ces préliminaires numériques posés, la musique du groupe n’a vraiment rien de scientifique : il n’y a dans leurs accords et leur mélodie ni méthodologie complexe, ni volonté d’expliquer un des grands mystères de l’univers, pas même l’ombre d’une démonstration par l’absurde. Ils jouent au contraire une pop music bien troussée qui lorgne vers le rock et parvient régulièrement à faire mouche. Tout cela nécessite un certain nombre de qualités : spontanéité, délicatesse, énergie, finesse qui sont loin d’être celles requises pour la pratique virtuose de l’équation et les manipulations de laboratoire. Comme l’affirme bien haut le groupe lui-même : « We aren’t scientists »² .

Difficile néanmoins de ne pas concéder au groupe une qualité en commun avec les plus grands savants : la rigueur. Murray et Cain sont appliqués dans leurs compositions et ont suffisamment de classe pour laisser une impression de facilité, ce qui constitue le petit plus qui fait les grands artistes, la différence entre ceux qui apparaissent à l’aise et talentueux et ceux qui sont si méticuleux qu’ils en deviennent appliqués. Chaque chanson de Brain Thrust Mastery réussit donc le petit challenge de développer son univers propre et d’exploiter musicalement toutes les capacités de chacun de ces microcosmes mélodiques.

Il n’est rien de plus agréable que de plonger dans l’ambiance de That’s what counts où un saxophone divague avec nonchalance pour mieux dédramatiser l’histoire d’amour assez compliquée qui se conclut du côté des paroles. Dinosaurs ou Altered Beast, centrées sur l’énergie, se posent au contraire comme des modèles dans l’utilisation de la saturation des guitares. Lethal Enforcer, années 80 en diable, joue à merveille le thème de l’éternel retour aux sons de synthétiseurs et aux gimmicks à la guitare des années 80. Spoken for, ballade triste, se laisse porter à longueur de couplets par la section basse-batterie. La rythmique, déjà entendue ailleurs, est toujours séduisante et dope merveilleusement un refrain plus enlevé.

Il n’y a donc aucun doute possible sur la capacité des new-yorkais, à faire de belles et bonnes chansons, tout particulièrement After hours, joli petit tube en puissance, qui s’impose comme la pièce maitresse de l’ensemble proposé. Mais côté inspiration, We are scientists, semble beaucoup plus limité et Brain Thrust Mastery apparaît plus comme une suite d’exercices de style musicaux réussis qu’autre chose.

L’inventaire, aussi brillant soit-il, enchaîne les passages obligés : le morceau eighties, tendance oblige, le hit-single calibré pour servir de bande-son à la prochaine série télé à la mode, et ainsi de suite. Le résultat manque singulièrement de consistance, d’inspiration et peut-être aussi de personnalité. Et si l’album est plaisant à écouter aujourd’hui, ces défauts pourraient bien mettre sa postérité en péril.

Brain Thrust Mastery, de We are scientists, publié chez Virgin.
Crédit photographique : EMI Music LTD.

1. C’est le premier signé sur une major mais il a été précédé d’un LP et de quelques EPs.
2. C’est le nom du site web alternatif, sous forme de blog, du groupe. Moins figé, plus vivant, sa visite est conseillée aux fans qui y trouveront quelques pépites sonores inédites.

Sortie prévue le 7 mai 2008

Dawn (Jess Weixler), archétype de l’adolescente états-unienne ayant la foi, a non seulement décidé de se réserver jusqu’à son mariage, mais en plus elle le fait savoir, puisqu’elle est une des figures de proue de l’association de son lycée qui milite pour que la « première fois » ne se fasse pas en dehors du sacrement.
Mais voilà, tout bascule le jour où la jeune fille se sent perturbée par la présence de Tobey (Hale Appleman), un nouveau venu dans son école.

Nous nous retrouvons alors embarqués pour une heure et demie de pur délire, mêlant horreur et comédie, sur fond de féminisme. Teeth ne se pose pas en effet comme un énième film sur la sexualité débridée des adolescents (bien que les hormones des personnages soient au premier plan), mais plutôt au contraire comme un manifeste en faveur de la maîtrise de sa sexualité.

Car Dawn va bientôt découvrir qu’elle est atteinte de Vagina dentata, une affection qui, comme son nom latin l’indique, désigne la présence de dents à l’intérieur du vagin. Une particularité mythique née de la peur des hommes que les femmes soient capables de leur couper le pénis. Chez notre héroïne cette faculté, d’abord perçue comme une difformité honteuse, une excroissance abominable, quelque chose de dangereux qui agirait malgré elle, se révèle finalement être une arme de protection, un atout qui lui permet en définitive de savoir ce qui est bon pour elle ou non.

Dans Teeth, le corps étranger n’est donc finalement pas celui que l’on croit et la maîtrise des dents se fait métaphore d’une sexualité choisie et épanouie.
Les légendes consultées par Dawn lorsqu’elle tente de comprendre ce qui se passe en elle, font toutes mention d’un chevalier qui viendrait la sauver de son mal et la délivrer de la malédiction qui pèse sur elle. Mais la finesse du film de Mitchell Lichtenstein réside justement dans le fait que le chevalier se révèle être Dawn elle-même : la jeune femme ne réussit à comprendre comment fonctionnent ses « dents » et à les apprivoiser que dès lors qu’elle accepte de se connecter à son propre désir.

Contrairement à l’idée véhiculée par son association d’étudiants, c’est en étant pleinement consciente de ses envies, en choisissant elle-même son partenaire, qu’elle pourra être pure. Malgré elle, Dawn est le symbole de toute une génération de femmes maintenues par les hommes, grâce à une absence d’éducation, dans l’idée qu’elles ne sont pas leur égal.
Teeth peut donc être vu aussi comme un manifeste pour le droit à l’information, portant l’idée que c’est uniquement grâce au savoir que nous sommes capables de faire des choix, que seule la connaissance nous donne accès à notre libre arbitre.

Avec un tel discours, Mitchell Lichtenstein se devait de réaliser un film remarquable visuellement, et le pari est tenu.
Si certains plans empruntent aux codes du genre (l’usine filmée comme une menace plannant sur le paisible jardin familial, la citation de films de monstres dans le film), le montage et à la mise en scène sont pourtant loin d’être « classiques ». La séquence de la douche, par exemple, avec les cut signifiant que Dawn est perturbée par ce qui s’est passé avec Tobey, se rapproche plutôt du travail de Gus Van Sant dans Paranoid Park que d’une superproduction sans personnalité pour ados boutonneux. De la même façon, les gros plans sur les visages sont plutôt étonnants et cette façon progressive de montrer l’horreur, faisant tout d’abord croire au spectateur qu’il sera épargné par les détails des différentes amputations, ne fait finalement qu’accroître notre sentiment d’horreur (sentiment qui sera d’ailleurs exacerbé par la dernière castration qui, si elle se fait sans cri contrairement aux autres, est relayée par une surenchère¹ d’une rare atrocité).

Teeth exprime donc clairement le fait que les être humains seraient plus épanouis s’ils étaient tous capables de se faire leur propre opinion et de décider pour eux-mêmes. Mais il va encore plus loin puisque la séquence finale peut être lue comme une dénonciation de ce qu’est devenue notre société.
Un vieil homme édenté tente de se faire payer en nature un service rendu à Dawn. Cette figure paternelle qui semble tout d’abord inoffensive (peut-être justement parce que, lui, ne peut pas mordre), va finalement se révéler être l’archétype du désir de domination des hommes sur les femmes².
Alors que le Vagina dentata était décrit tout le long du film comme une arme de défense face aux agressions dont Dawn pouvait être victime, avec cette dernière scène, par extension, c’est la sexualité féminine elle-même qui est montrée comme un moyen d’arriver à ses fins.

Teeth, réalisation et scénario de Mitchell Lichtenstein.
Avec : Jess Weixler (Dawn), John Hensley (Brad), Josh Pais (Dr. Godfrey), Hale Appleman (Tobey), Ashley Springer (Ryan), Vivinne Benesch (la mère de Dawn), Lenny Von Dohlen (le père de Brad), Nicole Swahn (Mélanie), Julie Garro (Gwen) et Adam Wagner (Phil).
Crédit photographique : TWC.

1. Que nous tairons pour ne pas gâcher votre plaisir
2. De certains hommes en tout cas, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit…

Sortie le 30 Avril 2008

1959 : un enfant court sur une plage déserte avec comme seule issue l’immensité de la mer. Un horizon à la fois ouvert et fermé sur un monde qu’il ne pourra désormais plus que caresser du regard en rêvant (Baisers volés, Domicile conjugal et L’amour en fuite ne feront que confirmer cette condamnation). Souvenons-nous : un zoom radical venait alors cerner le visage figé et assombri d’Antoine Doinel, l’enfant terrible de François Truffaut, fraichement évadé de la maison de correction où il avait finalement échoué après ses 400 coups, lançant du même coup ce qui allait devenir la Nouvelle-Vague.

Cinquante ans plus tard, Christian Faure ouvre son film là où Truffaut avait achevé le sien. Les longs travellings latéraux, qui avaient su si bien capter l’évasion de cet enfant asocial, ont ici cédé la place à d’amples et héroïques mouvements de caméra ; la course n’est plus fuite mais, bien plus terre à terre, poursuite ; et le doux et mélancolique thème musical de Jean Constantin n’est plus que la partition nerveuse d’un film d’action. On le constate, mois après mois, sur les écrans de cinéma : les temps ont changé. Et malgré un savoir-faire technique réellement efficace, les réalisateurs n’ont manifestement plus le temps, la liberté et l’audace d’enregistrer le monde avec simplicité et sincérité. Néanmoins, ne déchargeons pas toute la faute sur les cinéastes et supposons un instant que ceux-ci s’adaptent à un public, hélas, de moins en moins curieux. Le film de Christian Faure ne se démarque pas de cette tendance actuelle. D’un film d’action on dirait : « efficace mais sans surprise » ; des Hauts Murs nous dirons : « émouvant mais sans surprise ». Car Les Hauts Murs, en flirtant bien plus avec les bons sentiments et le bien-pensant, ne saura éveiller, à travers la description de ces anciennes « Maisons d’éducation surveillée », autre chose que d’inoffensives émotions. Dommage !

Manifestement alléché par les huit millions d’entrées des Choristes en 2006, Europacorp semble avoir manigancé Les Hauts Murs comme une version faussement plus engagée et trash du film de Christophe Baratier. Mais au final, on reste bien là face à ce même type de films dits « populaires », cherchant à tout prix à émouvoir par le biais de la surenchère.

« Bandit ! Voyou ! Voleur ! Chenapan ! », rugissait l’encre de Prévert, « c’est la meute des honnêtes gens qui fait la chasse à l’enfant. » Telle pourrait être décrite l’ouverture épique du film. Et ces honnêtes gens ont tôt fait de rattraper le jeune fuyard, brandissant poings et fourches avant de l’assommer d’un coup de crosse au visage. Une ultra-violence visuelle et sonore très impressionnante dans laquelle Christian Faure, pour son premier long-métrage de cinéma sous l’égide et l’influence des productions Europacorp (en vrac, Yamakasi, Banlieue 13 et autre Taken), aura hélas tendance à se complaire un peu trop facilement. En effet, on sent bien ici que l’objectif à atteindre, c’est l’émotion. L’émotion à tout prix. Ou du moins cette émotion que la télévision¹ a toujours su extraire de ses téléspectateurs. Or, c’est à trop la vouloir que Christian Faure perd rapidement de vue la puissance évocatrice de son sujet pour ne nous livrer au final qu’un film bien peu marquant sur les maisons de correction où rien, jamais, ne nous surprendra.

Pourtant, le contexte de cette France des années 30 était d’abord resitué très efficacement dès les premières séquences. Cette France de l’entre-deux-guerres, avec ses gendarmes à cheval, ses adultes lâches au fond desquels germent déjà le collaborationnisme et le régime de Vichy. Et, en s’attachant à la figure des maisons de correction, où les orphelins de la Première Guerre mondiale étaient emprisonnés pour le seul délit d’être nés dans une société qui ne voulait plus d’eux, on aurait pu envisager trouver dans ce film d’époque une dénonciation de l’état présent de la société française. En effet, comment ne pas voir dans l’accroche de l’affiche du film : « Les enfants ne naissent pas criminels ! », une allusion voire même une attaque courageuse face aux discours générés par notre gouvernement actuel.

Mais l’ambition de Christian Faure est, hélas, bien plus modeste et inoffensive. Néanmoins, loin de renier le parti pris romanesque pleinement assumé de son réalisateur, a fini tout de même par se laisser prendre à la destinée de son jeune héros de quatorze ans, Yves Tréguier. Lui qui n’a pour seul rêve que celui de partir en Amérique, le voilà avançant, tête baissée, au côté de son austère tuteur, jusqu’au sombre bagne pour enfants dans lequel on a décidé de le placer. On se laisse tout de même prendre par la destinée de son personnage et de ses camarades, grâce notamment à l’interprétation de ces jeunes comédiens qui, d’Emile Berling à Julien Bouanich en passant par Guillaume Gouix (formidable en grand frère spirituel), parviennent à porter le film jusqu’au bout et à faire oublier le classicisme de son scénario. On aurait aimé que ces jeunes personnages soient filmés avec plus de sobriété. La puissance de leur jeu aurait suffi pour ne pas souligner à longueur de temps leurs émotions.

Prenons pour unique exemple cette scène, au départ très belle, où l’un des camarades de dortoir d’Yves Tréguier se met à jouer en pleine nuit sur un piano de fortune imaginaire dont les touches ont été peintes sur un simple bout de carton. Le dortoir est captivé, pendu aux lèvres du pianiste siffleur, jusqu’au moment où cette belle sobriété, réellement émouvante, est détruite par l’arrivée d’une musique d’un lyrisme pompe-larmes des plus révoltants. Il en sera de même pour chacun des personnages adultes de cette histoire : le méchant surveillant noir, buveur de rhum invétéré, s’avérera (oh surprise !) avoir bon fond parce qu’il a « fait Verdun » alors que les autres surveillants ne feront que surjouer leurs rôles de salaud intégral en hurlant et cognant tout au long du film. De son côté, la pauvre Carole Bouquet, malhonnêtement annoncée comme premier rôle, fait ce qu’on lui demande, à savoir la guest-star larmoyante. Seul rayon de soleil de cette distribution adulte, Catherine Jacob, magnifique de justesse en maman fantasmée par l’internat tout entier, comme en témoigne ce joli plan très touchant où, après avoir entraperçu la culotte de celle-ci, l’un des garçons se livre à une masturbation maladroite et ingénue entre les sacs de linge propre. Un onanisme d’enfant perdu qui rappelle, là encore, le jeune héros de François Truffaut lorsque celui-ci, errant dans la rue, la nuit, se mettait à téter comme un sein une bouteille de lait : magnifique évocation de l’absence maternelle.

Mais reconnaissons tout de même le certain talent avec lequel Christian Faure parvient, à l’inverse, à mettre en image cet univers carcéral à travers une succession de travellings en longue focale jouant sur le huis clos que constituent alors les rapports entre premiers et seconds plans. À noter également la photographie de Jean-Claude Larrieu qui donne lieu à de très belles séquences nocturnes : les crânes rasés des jeunes hommes, vissés sur leurs pèlerines, déambulant dans l’obscurité, entre les hauts murs de la cour. On pense au Miracle de la Rose de Jean Genet, aux Enfants terribles de Cocteau, le fantastique et l’audace en moins².

Ainsi, malgré une efficacité qu’on ne peut pas nier, Les Hauts Murs reste un film dont le scénario, sans audace, ne cherche qu’à plaire au plus grand nombre sans prendre à son compte d’assumer la complexité de son sujet. Pas un seul débat de fond ne semble vouloir s’organiser au sein de son récit, de ses personnages, et, au final, ne devient plus qu’une simple fiction sans aucune connexion avec les faits bien réels qu’il semble vouloir dénoncer. Conclusion : on regarde Les Hauts Murs avec émotion, certes, mais sans la moindre révolte quant à son sujet, ce qui, en soi, est franchement révoltant…

Les Hauts Murs, réalisation de Christian Faure, adapté de l’œuvre d’Auguste Le Breton.
Avec : Bernard Blancan, Carole Bouquet, Catherine Jacob, Emile Berling, François Damiens, Guillaume Gouix, Michel Jonasz, Pascal Nzonzi.
Crédit photographique : Eric Vernazobres, EuropaCorp Distribution.

1. Christian Faure a œuvré avant tout comme réalisateur de téléfilms.
2. L’homosexualité ne sera ici abordée que négativement et sous les traits d’un personnage bêtement manichéen, sorte de Jean Genet qui n’aurait jamais été poète.